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Jacques Auguste Simon Collin de Plancy / Dictionnaire Infernal (1863)

Traducción de la información que acompaña las imágenes:

Jacques Auguste Simon Collin de Plancy (1793-1887) fue un ocultista, demonólogo y escritor francés; publicó algunos libros sobre ocultismo y demonología. Nació en 1793 en Plancy-l’Abbaye y murió en 1887. Fue un librepensador influenciado por Voltaire. Trabajó como impresor y editor en Plancy-l’Abbaye y en Paris. Entre 1830 y 1837, vivió en Bruselas, y luego retornó a Francia después de volver a la religión católica.
Collin de Plancy siguió la tradición de muchos demonólogos anteriores al catalogar demonios por nombre y título de nobleza, como ocurrió con grimorios como Pseudomonarchia Daemonum, y The Lesser Key of Solomon entre otros. En 1818 se publicó su obra más conocida, Dictionnaire Infernal. En 1863 se le agregaron algunas imágenes que lo hicieron famoso: dibujos imaginarios respecto a la apariencia de ciertos demonios. En 1822 fue publicitado como:
“Anécdotas del nuevo siglo diecinueve o historietas, anécdotas recientes, productos y palabras poco conocidas, aventuras singulares, citas variadas, ofreciéndose partes curiosas y juntas, para utilizarse para la historia de las costumbres y el espíritu del siglo que nosotros vivimos comparadas con las de los últimos siglos.”
Es considerada la obra mayor que documenta seres, personajes, libros, obras y causas pertinentes a las manifestaciones y magia del tráfico con el Infierno; adivinaciones, ciencias ocultas, grimorios, maravillas, errores, prejuicios, tradiciones, cuentos populares, las variadas supersticiones, y en general toda manera de creencias en lo maravilloso, sorprendente, misterioso y supernatural.
A fines de 1830 él se transformó abiertamente en un católico entusiasta — para confusión de sus anteriores admiradores y detractores.
En 1846 se podía comprar (por 16 francos los dos volúmenes) el Dictionnaire Sciences Occultes et des Idée’es superstitieuses que es otro listado de demonios.
Jacques Auguste Simon Collin de Plancy fue el padre de Victor Emile Marie Joseph Collin de Plancy (1853-1924) que durante cerca de una década a partir de 1884 sirvió como Ministro francés en Corea y cuyos libros y obras de arte que coleccionó fueron a formar parte del corazón de las colecciones coreanas de la Bibliothèque Nationale de Francia y del Musée Guimet en Paris.
El Dictionnaire Infernal es un libro acerca de demonología, organizado en jerarquías infernales. Fue escrito por Jacques Auguste Simon Collin de Plancy y publicado por primera vez en 1818. Hubo varias ediciones del libro, pero quizás la más famosa es la edición de 1863, en la que fueron agregadas sesenta y nueve ilustraciones al libro. Esas ilustraciones son dibujos que tratan de representar las descripciones del aspecto de algunos demonios. Muchas de esas imágenes fueron utilizadas más tarde en la edición de S. L. MacGregor Mathers de The Lesser Key of Solomon aunque algunas de ellas fueron eliminadas.

Música: Keith Jarrett, “Shock, Scatter”.

Christiane Vleugels, pintora

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Christiane Vleugels (“Raipun”) nació en Bélgica.

Incluso desde que era una niñita sentí la necesidad de dibujar todo a mi alrededor. Había mucha frustración en mis maestros en la escuela elemental, que miraban y observaban mis libros de Matemática y Lengua lenta pero firmemente transformarse en tiras de comics.
A la edad de doce años, mis padres decidieron inscribirme en la academia de bellas artes donde fuí educada exhaustivamente en el arte del dibujo y de la escultura por el inspirador artista Herman Cornelis.
Cuando tuve diecisiete, decidí probar mi suerte en la ciudad de Antwerp y disfruté de tres años de educación en SISA, donde me dediqué a decoración, publicidad y dibujos de la naturaleza.
Luego de completar exitosamente aquellos años, con orgullo me anoté en la Academia Real de Antwerp, donde seguiría durante dos años de mi vida dibujando y familiarizándome más con la técnica del oil on canvas.
En 1986 me casé con mi primer marido y me mudé a la ciudad de Keulen en Alemania, donde permanecería durante los siguientes seis años. Durante los últimos dos años de mi estadía, mi trabajo estuvo permanentemente en exhibición en la renombrada ‘Gallerie des beaux art’. Desde entonces en adelante, algunas de mis obras incluso llegaron a Egipto y Liverpool.
Cuando regresé a Bélgica, siguieron muchos años en lo que me vi obligada a tomar muchos encargos, muchos de ellos reproducciones.
Cuando miro hacia atrás aquellos años aburridos, durante los cuales a menudo me sentí bajo una increíble presión e incluso, por momentos falta de inspiración, entiendo que fue una parte necesaria de mi viaje artístico. Después de todo, es por haber tomado todos esos encargos que aprendí a perfeccionar mi técnica. Realmente pienso que debo varias de mis habilidades a esa lista interminable de reproducciones, por extraño que pueda sonar esto.
Sin embargo, no había pasado mucho tiempo hasta que ya no pude reprimir la necesidad de crear mi propia obra. Pintar todas aquellas imágenes e ideas que espontáneamente brotaban de mi corazón. ¡Finalmente!
Entonces fue el momento de tomar nuevas direcciones en la vida y encontrarme a mí misma en mi arte. Mirando atrás, la vida gira en un continuo proceso de aprendizaje en que he buscado por mí misma y eventualmente fuí lo suficientemente afortunada para encontrarlo.

¡Con cada obra original que creo hoy me doy cuenta más y más que el verdadero proceso de aprendizaje sólo ahora ha comenzado para mí!

Cada nueva pintura presenta cierto aspecto y me aclara que he elegido el paso correcto en la vida. Una vida en que aún tengo mucho que aprender y dar.
Esto es por qué ninguna de mis pinturas llevan un cierto mensaje o una declaración política.
El sólo propósito de mi obra es tentar a la gente a soñar.
No hay nada que yo ame más que movilizar a mi audiencia al éxtasis al permitirle una ojeada a mi fantasía.
Esto es por qué alegremente te invito a que eches una mirada a mi galería.
“¡Bienvenido a mi mundo!”

Christiane Vleugels

Fuentes: taringa.net, raipun.deviantart.com, users.telenet.be.

Dante Alighieri & Gustave Doré / Infierno

Dante Alighieri nació en Florencia alrededor del 29 de mayo de 1265 y falleció en Rávena el 14 de septiembre de 1321.

Paul Gustave Doré nació en Estrasburgo, Francia el 6 de enero de 1832 y falleció en París, Francia el 23 de enero de 1883.

Jennifer Maestre / Más allá del dibujo: arte creativo y escultura con lápices de colores

(Beyond Drawing: Creative Colored Pencil Art & Sculpture, en dornob.com, consultado 15.8.2012)

Desde una primera mirada a estas maravillosas y detalladas esculturas con lápices de colores de Jennifer Maestre, no debería ser tan sorprendente que su trabajo artístico inicialmente estuviera inspirado en espinosos erizos de mar – hermosos pero peligrosos para tocar.

Para cada escultura, Jennifer cortó cientos de lápices de colores, quitó el centro perpendicular a su largo y los giró como collares, básicamente, luego ella meticulosamente los unió por detrás y paulatinamente les dió forma de sólidas esculturas.

Sin bien sus comienzos fueron con criaturas del agua, Jennifer rápidamente extendió sus motivos hasta abarcar otros objetos orgánicos – desde plantas y flores hasta mascotas del hogar y animales más abstractos.

Mientras algunos de sus trabajos tienen una forma planificada desde el comienzo, otras piezas adquieren una forma y cambian tanto como para conformar algo completamente no planificado pero sin embargo convincente.

Así como su trabajo continúa en evolución, esta increíble artista realizó docenas de exhibiciones durante la década pasada y ganó numerosos premios, impulsándose hacia nuevas direcciones mientras explora los límites de su aproximación original.

Gustave Caillebotte, pintor

Gustave Caillebotte nació en París, Francia el 19 de agosto de 1848 y falleció en Gennevilliers el 21 de febrero de 1894.

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Gustav Klimt, pintor

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Gustav Klimt nació el 14 de julio de 1862 en Baumgarten, Imperio Austríaco y falleció el 6 de febrero de 1918 en Viena, Imperio Austrohúngaro.

Max Ernst, pinturas

Design in Nature. 1947. Oil on canvas.

Europe after the Rain II. Oil on canvas

Feast of the God. 1948. Oil on canvas

Le Limaçon de chambre. 1920. Tempera, goache, ink, pencil, collage on paper

Of This Men Shall Know Nothing. Oil on canvas.

Sign for a School of Monsters. 1968. Oil on canvas.

The Equivocal Woman (también conocida como The Teetering Woman). 1923. Oil on canvas.

The Robing of the Bride. Oil on canvas

Woman, Old Man and Flower-Femme, viellard et fleur. 1923-24. Oil on canvas

A Night of Love – Une nuit d’amour. 1927. Oil on canvas.

Approacing Puberty or The Pleiads-La Puberté proche… ou Les Pléiades. 1921

Birds- also-Birds, Fish-Snake and Scarecrow. c. 1921. Oil on canvas

La paliza de la Virgen al niño Jesús ante tres testigos; André Breton, Paul Eluard y el pintor. – 1926

El ángel del hogar

Max Ernst nació en Brühl, Alemania, el 2 de abril de 1891 y falleció en París, Francia, el 1 de abril de 1976.

Francesco Hayez, pinturas

Accusa segreta

Accusa segreta

María Magdalena

Susanna bañándose (1850)

Odalisca (1867)

Venus jugando con dos palomas

Meditación sobre la historia de Italia (1850)

Ninfas bañándose (1831)

Rinaldo y Armida

El beso (1859)

La destrucción del templo de Jerusalén

Francesco Hayez nació en Venecia, Italia el 10 de febrero de 1791 y murió en Milán el 21 de diciembre de 1882.

Daniel Molina / Uniones antinaturales (León Ferrari en el Malba) Hasta el 2 de julio

(Publicado en Perfil, 29.4.2012)

La exposición “Brailles y relecturas de la Biblia” presenta una selección de setenta obras. La curadora, Florencia Battiti, reunió en esta muestra dos series que Ferrari realizó a lo largo de tres décadas. Para el artista, “la Biblia es una antología de crueldades”, y varias de sus imágenes remiten a la profunda diferencia que existe entre la concepción cristiana del pecado y la cosmovisión oriental del erotismo.

León Ferrari (Buenos Aires, 1920) no sólo es el artista contemporáneo más importante de la Argentina, sino que es uno de los más grandes que dio América Latina en el último siglo. Desde hace casi setenta años viene desarrollando una obra que, además de pródiga, parece ramificarse continuamente, como si su mente fuera una planta que ante cada límite se bifurca, y así hasta el infinito. Sus bellísimas esculturas de alambre son de comienzos de los sesenta. Casi al mismo tiempo comenzó a realizar sus cuadros y dibujos escritos, que lo convirtieron en uno de los pioneros del arte conceptual. En 1965 realizó su obra insignia, aquella que permite reunir la diseminación alucinógena de su extensa producción: La civilización occidental y cristiana, en la que se conjugan la reproducción de un bombardero norteamericano con un Cristo de santería. En su exilio en San Pablo, en los setenta, realiza videotextos (Art pelo telefone) y heliografías que semejan los planos de las distopías que narraron Kafka, Orwell y Huxley. Su retrospectiva de 2004 constaba de 400 obras que mostraron la multiplicidad de sus intervenciones. De esa extensa producción, los collages de las series Brailles y relecturas de la Biblia habían sido exhibidos muy parcialmente. Ahora Malba los presenta, in extenso, en una muestra curada por Florencia Battiti junto con un catálogo que cuenta con un importante texto de Daniel Link.

De lo que habla la obra de Ferrari es, en primer lugar, el arte. Es decir, de la posibilidad de crear, pensar y producir un universo diferente, una vida alternativa. De darle al mundo un sentido nuevo. En esa vida alternativa se trata de hablar otro lenguaje. Una lengua que no se somete a los imperativos del sentido común, de la tradición o de la autoridad. Por eso, uno de los ejes que sostienen la aventura estética de Ferrari es la discusión sobre el uso coercitivo, ideológico y político de las imágenes. El artista no cree en la inocencia cuando se trata de la producción de aquéllas. De allí su intervención constante en la discusión sobre la historia del arte, vista también –pero no únicamente– como una historia de la propaganda política y religiosa.

Cuando  Ferrari pone en relación una imagen proveniente de la tradición católica con otra imagen proveniente de una tradición cultural diferente (una estampa japonesa, por ejemplo) está desarmando el dispositivo ideológico que usa las imágenes para adoctrinar, para sostener un sentido incuestionable. Más que iconoclasta, Ferrari –un enamorado de las imágenes– es un poeta: alguien capaz de volver a darles a las figuras manipuladas por el poder un nuevo poder: el de desasirse de la manipulación que sufrieron. Poner en relación imágenes de culturas diferentes no es un gesto ingenuo, sino una posición profundamente crítica respecto de las certezas que se sustentan en la tradición y en la autoridad (esas “certezas” que supuestamente no se pueden cambiar y que no se podría siquiera cuestionar). Lo que para algunos puede ser insultante –por ejemplo, la imagen de una pareja que mantiene relaciones sexuales–, para otros (un taoísta o un místico) puede ser la imagen misma de la iluminación.

Estos collages ponen en relación imágenes que aparecen usualmente separadas: lo sexual y lo espiritual, lo político y lo sacro, lo íntimo y lo público, lo angélico y el placer. Hay humor y amor en estos Brailles. Esa unión non sancta alcanza una dimensión épica en la obra Amate (de 1997), en la que Ferrari imprime un texto en braille (“Ama a tu prójimo como a ti mismo”) sobre  la estampa Juego de manos, de Kitagawa Utamaro, que muestra la técnica de masturbación mokodaijuji, que consiste en pellizcar el clítoris con los dedos índice y mayor.

Ferrari, como poeta de las imágenes, descontextualiza las imágenes sometidas al discurso del poder. Es arte político, pero no por sus contenidos sino por su proyecto: liberar a las imágenes del encadenamiento al que fueron sometidas. Liberarlas: permitirnos verlas en un nuevo contexto.

De Juego de manos, de Utamaro, con la leyenda en braille: "Ama a tu prójimo como a ti mismo"

Brailles y relecturas de la Biblia

Hasta el 2 de julio.
De jueves a lunes, de 12 a 20. Miércoles hasta las 21. Martes cerrado.
Malba. Av. Figueroa Alcorta 3415.
Entrada: $ 25 (docentes y jubilados: $ 11; estudiantes: $ 12).

Jamie McCartney / The Great Wall of Vagina (La gran pared de vaginas)

(Texto de revista PTP paratipos.com)

La Gran Muralla de Vulvas de Jamie McCartney, imperdible

Los órganos genitales femeninos han sido durante mucho tiempo una fuente de fascinación, recientemente de celebración, pero en general de confusión.

El pensamiento actual es que la creación de imágenes de distintos tipos de vulvas, es del dominio exclusivo de los pornógrafos, los artistas eróticos y las feministas, pero el artista británico Jamie McCartney, supo crear una escultura monumental, sobre el más íntimo de los lugares, 400 mujeres entendieron su mensaje y se prestaron a participar de esta obra de arte, que nada tiene de sexista.

El políptico de nueve metros de largo consta de cuatrocientos moldes de yeso de vulvas, todos ellos únicos, organizados en diez paneles de gran tamaño, McCartney propuso hacer este proyecto tan amplio e inclusivo como sea posible. Se incluyen madres e hijas, gemelas idénticas, transexuales, labioplastias antes y despues, etc.

McCartney espera con esta escultura, aliviar esa ansiedad y ayudar a combatir la tendencia de la cirugía estética labial que ha visto un aumento exponencial en los últimos años, el número de operaciones se duplica año a año y suelen ser realizadas sin el conocimiento adecuado de lo que constituye una “vulva normal” en apariencia. Esta preocupante tendencia a crear “una perfecta” vulva, es el equivalente moderno de la mutilación genital femenina y sienta un precedente preocupante para las futuras generaciones de mujeres.

“Si esta escultura ayuda a una sola mujer que decide no proceder con la cirugía innecesaria de plástico en sus genitales, entonces tendrá éxito”.

jamiemccartney.com

Jamie McCartney nació en Inglaterra en 1971.

 

Ryohei Hase, pinturas

Blood, 2008

Bound, 2003

Drown in the empty dried-up room, 2008

Empty hole inside of me, 2003

His only wish was to touch, 2010

Sin título, 2011

Not knowing why can't see and can't breathe, 2007

Pain, 2011

Sin título, 2008

Sin título, 2011

Tayutau, 2011

The last thing we do, 2009

Their feelings 02, 2006

Ryohei Hase reside en Tokio, Japón.

Imágenes tomadas de su sitio web ryoheihase.com

Maciej Hoffman, pinturas

Act, c-print

Adolescence, 2010, oil on canvas.170 x 210 cm

Anatomy - Head, C-print, 2008

Bad Thoughts. 2009. oil on canvas. 100 x 100 cm

Blow. 2011. oil on canvas.116 x 106 cm

Bóg wybacza. My Nigdy. 2008. olej na płótnie. 200 x 340 cm

Burning Heads. 2010. oil on canvas.170 x 250 cm

Different Glance. 2010. oil on canvas. 148 x 105 cm

Fear. 2010. oil on canvas. 210 x 210 cm

Fly. 2010. oil on canvas. 195 x 210 cm

Gravitation. 2009. oil on canvas. 210 x 185 cm

Lustro. 2008. olej na płótnie. 120 x 100

Mascot. 2010. oil on canvas. 40 x 60 cm

Mass. 2011. oil on canvas.105 x 90 cm

Memory. 2012. oil on canvas.170 x 210 cm

Mezalians. 2008. olej na płótnie. 120 x 150 cm

Monologue. 2009. oil on canvas.80 x 100 cm

Observer. 2008. oil on canvas. 210 x 280 cm

Painting

Reverse Perspective, instalation-oil on canvas+wire, 200 x 340 x 400 cm

Ritual. 2010. oil on canvas.160 x 100 cm

Self service. 2008. olej na płótnie 150 x 200 cm

Skull. 2011. oil on canvas. 99 x 74 cm

Statistic Death. 2008. oil on canvas. 210 x 210 cm

Still Marching. 2011. oil on canvas. 165 x 210 cm

Touch. 2011. oil on canvas. 170 x 210 cm

Trade 5. 2008. olej na płótnie.140 x 160 cm

Venus Natura. 2006. olej na płótnie. 100 x 120 cm

 Maciej Hoffman nació en Wroclaw, Polonia en 1964.

Imágenes tomadas de su sitio web www.maciej-hoffman.com

Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat

La Colección

La colección se inició por iniciativa de la Sra. Amalia Lacroze de Fortabat, quien en su interés por el arte y la cultura, logró reunir a lo largo de los años una importante cantidad de obras de artistas nacionales e internacionales de distintas épocas.
La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat abre sus puertas al público en general a partir del mes de octubre con el objetivo de compartir con la comunidad una selección de más de doscientas obras y objetos de arte de singular relevancia.
Las mismas se presentan, de acuerdo a su procedencia, en dos ejes; el primero propone un recorrido por el arte argentino y el segundo presenta grandes maestros del arte internacional.

El recorrido nacional sigue un guión temático-cronológico, a través del cual algunas de las problemáticas del arte argentino de los siglos XIX y XX articulan las distintas salas de exposición distribuidas en cuatro plantas del edificio.
Con obras de importantes artistas de nuestro medio se ofrece un panorama de este desarrollo marcado por la especial elección de la coleccionista.
Entre las pinturas del siglo XIX sobresalen Apartando en el corral y Los Capataces de Prilidiano Pueyrredón. Entre las del siglo XX La resistencia y El indeciso de Emilio Pettoruti, junto con El almuerzo de Antonio Berni entre otras.

La colección posee también un ámbito dedicado exclusivamente al arte internacional con obras de grandes maestros de diversas épocas, entre los que se destacan el flamenco Pieter Brueghel II con su obra El censo en Belén y el inglés, vinculado al romanticismo, Joseph Mallord William Turner con Juliet and her Nurse (Julieta y su aya).
Este sector ubicado en un espacio privilegiado del segundo subsuelo alberga las obras más valiosas de la colección, sin duda, uno de los puntos de mayor atracción de la visita.

Dirección: Olga Cossettini 141, Puerto Madero, (C1107CCC) Buenos Aires, Argentina
Informes: Tel: 54 (11) 4310-6600
Web site: http://www.coleccionfortabat.org.ar
E-mail: info@coleccionfortabat.org.ar
Horarios: Martes a domingos de 12 a 21. Lunes cerrado. Ingreso hasta una hora antes del cierre.
Valor de la entrada: Tarifa normal: $20. Tarifa reducida para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $10.
Visitas guiadas en español: Martes a domingos a las 15 y a las 17.
Visitas guiadas en grupo, en español y en inglés: Informes y reservas con anticipación:
54 (11) 4310-6600 visitas@coleccionfortabat.org.ar

James Guppy, pinturas

Esta selección sigue un orden cronológico.

Nightbloom 1991 acrylic on linen 95 x 126.5 cm

Love In Kuwait 1993 acrylic on linen panels 120 x 120 cm

Evening Baptism 1993 acrylic on canvas 60 x 60 cm

The Wound 1995 acrylic on canvas 60.5 x 60.5 cm

Gyneaceum VI 1994 acrylic on canvas 60.6 x 60.5 cm

Lana With Joy 1996 acrylic/linen/gold plated sleepers 44 x 44 cm

The Meal 2000 acrylic on canvas 30 x 45 cm

Woman and Man Drinking 2004 acrylic on linen 55.5 x 111 cm

Man and Woman Copulating 2004 acrylic on linen 55.5 x 111 cm

Approaching Orchids 2005 acrylic on linen 91 x 91 cm

Cloudfront 2006 acrylic on linen 180 x 180 cm

Fireballs 2006 acrylic on linen 180 x 180 cm

Study #9 2007 acrylic on canvas 25 x 25 cm

The Fairy of Sharp Edges 2007 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Fairy of One Hundred Strokes 2008 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Fairy of Small Doubts and Concerns 2008 acrylic on linen 45 x 30 cm

Jay as Mab 2008 acrylic on linen 40 x 40 cm

Judith Reminiscing 2008 acrylic on linen 106.5 x 71 cm

Separation 2008 acrylic on linen 71 x 106.5 cm

The Familiar 2008 acrylic on linen 150 x 61 cm

Renoir's Doughnut 2009 acrylic on linen 61 x 56 cm

Leading the Governess 2009 acrylic on linen 25 x 25 cm

Meta Luna 2009 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Offering 2010 acrylic on linen 137 x 92 cm

The Dakini's Daughter 2011 acrylic on linen 120 x 60 cm

The Skink 2011 acrylic on linen 30 x 61 cm

The Nautilus 2011 acrylic on linen 30 x 61 cm

James Guppy nació en Londres, Inglaterra, en 1954.

Las reproducciones de sus obras fueron obtenidas de su sitio www.jamesguppy.com

Pierre Louÿs / Les Chansons de Bilitis (Las canciones de Bilitis) / Georges Barbier, ilustraciones

(Traducción propia del epígrafe del video en inglés.)

En 1922, George Barbier, talló sobre madera cuarenta y dos ilustraciones que fueron publicadas por Pierre Corrand en una edición limitada de 133 copias. Los dibujos fueron coloreados por Schmied y firmados por Barbier cuya brillante carrera como ilustrador comenzó en 1911. Este libro está considerado como su mejor obra de sus comienzos que se sitúa como uno de los trabajos más exquisitos del Art Deco.

“Las canciones de Bilitis” es una colección de poesía erótica de Pierre Louÿs y se publicó en Paris en 1894.

Los sensuales poemas del libro son al estilo de Safo; la introducción expresa que fueron encontrados sobre las paredes de una tumba en Chipre, escritos por una mujer de la antigua Grecia llamada Bilitis, una cortesana y contemporánea de Safo, a cuya “vida” Louÿs dedicó una pequeña sección de su libro. Sobre la publicación, el volumen engañó incluso a los estudiosos más expertos. Aunque los poemas en realidad eran fabulaciones inteligentes, creadas por el mismo Louÿs, son considerados literatura importante.

Louÿs expresó que los 143 poemas en prosa, excluyendo 3 epitafios, eran completamente la obra de esta antigua poetisa—un lugar donde ella depositaba sus más íntimos pensamientos y sus acciones más públicas, desde la inocencia de la infancia en Pamphylia hasta la soledad y mortificación de sus últimos años. Si bien la mayor parte de Las canciones de Bilitis es un trabajo original, muchos de los poemas en la colección fueron epigramas rehechos de la Antología Palatina, y Louÿs inclusive tomó prestados algunos versos de la misma Safo. Los propios poemas son una mezcla de suave sensualidad y estilo pulido a la manera de la escuela parnasiana, pero por debajo corren unos matices sutiles galos de los que Louÿs nunca podría escapar. Para dar autenticidad a la falsificación, Louÿs enumeró algunos poemas somo “no traducidos” en el índice; incluso construyó una sección completa de su libro titulada “La vida de Bilitis”, citando a un cierto arqueólogo inventado Herr G. Heim (“Sr. S. Ecreto”) como el descubridor de la tumba de Bilitis. Y si bien Louÿs demostró un gran conocimiento de la cultura griega antigua, que van desde los juegos de niños en “Tortie Tortue” a la aplicación de olores en “Perfumes”, los poemas eventualmente fueron expuestos como un fraude literario. Esto poco hizo para corromper su valor literario a los ojos de los lectores, sin embargo, y la abierta y simpática celebración de Louÿs de la sensualidad lésbica le otorgó sensación y significación histórica.

* * *

Algunas de Las Canciones de Bilitis:

EL ÁRBOL

Me he desvestido para subir a un árbol. Mis piernas desnudas abrazan la corteza lisa y húmeda. Mis sandalias caminan sobre las ramas.

En lo alto, pero todavía bajo las hojas y a la sombra del calor, me he sentado a caballo sobre una rama apartada, balanceando mis pies en el vacío.

Había llovido. Gotas de agua caían y corrían por mi piel. Mis manos estaban manchadas de musgo y los dedos de mis pies estaban rojos a causa de las flores aplastadas.

Sentía al hermoso árbol vivir cuando el viento pasaba a través de él; entonces apretaba más las piernas y aplicaba mis labios abiertos sobre la parte musgosa de una rama.

EL ANTRO DE LAS NINFAS

Tus pies son más delicados que los de la argentina Thetis. Entre tus brazos cruzados reúnes tus senos o los acunas blandamente como dos bellos cuerpos de palomas.

Bajo tus cabellos disimulas tus ojos húmedos, tu boca temblorosa y las flores rojas de tus orejas; pero nada detendrá mi mirada ni el cálido hálito del beso.

Porque en el secreto de tu cuerpo estás tú, Mnasidika amada, que recelas del antro de aquellas ninfas de que habla Homero, el lugar donde las náyades tejen paños de púrpura.

El lugar de donde fluyen, gota a gota, unas fuentes inagotables y donde la puerta del Norte deja descender a los hombres, y donde la puerta del Sur deja entrar a los Inmortales.

BILITIS

Una mujer se envuelve en lana blanca. Otra se viste de seda y de oro. Otra se cubre de flores, de hojas verdes de uvas.

Yo sólo sabría vivir desnuda. Amante mío, tómame como soy sin ropas, ni joyas ni sandalias, he aquí Bilitis tal como es.

Mis cabellos son negros de su negrura y mis labios rojos de su rojo. Mis bucles flotan a mi alrededor libres como plumas.

Tómame tal como mi madre me hizo una noche de amor lejana y, si te gusto así, no olvides decírmelo.

(De Las Canciones de Bilitis, de Pierre Louÿs, Ediciones 29, Barcelona, España.)

Pierre Louÿs nació en Gand, Bélgica el 10 de diciembre de 1870 y falleció en Paris el 6 de junio de 1925.

Obras: Astarté (1891), Chrysis ou la cérémonie matinale (1893), Lêda ou la louange des bienheureuses ténèbres (1894), Ariane ou le chemin de la paix éternelle (1894), La Maison sur le Nil ou Les apparences de la vertu (1894), Les Chansons de Bilitis (1894), Danaë ou le malheur (1895), Aphrodite (1896), La Femme et le Pantin (1898), Byblis ou l’enchantement des larmes (1898), Les Aventures du Roi Pausole (1901), Sanguines (1903), Archipel (1906), La Femme et le Pantin, pièce en 4 actes de Pierre Louys et Pierre Frondaie (Paris, Théâtre Antoine, 8 décembre 1910), Pervigilium Mortis (no publicado, 1917), Isthi (1917), Poëtique (1917), Manuel de civilité pour les petites filles à l’usage des maisons d’éducation (1926), Trois filles de leur mère (1926), Pybrac (1927), Douze douzains de dialogues ou Petites scènes amoureuses (1927), Psyché (1927), Au Temps des Juges (1933), L’Île aux dames, ébauche pour un roman érotique, Manuel de Gomorrhe (1991). Su diario fue publicado después de su muerte y completado en 2003 (Mon Journal (20 mai 1888-14 mars 1890). Pierre Louÿs asimismo es autor de una correspondencia excepcional la que ha sido publicada en parte, con Claude Debussy, Paul Valéry y André Gide, con su hijo Georges Louis: Mille Lettres inédites de Pierre Louÿs à Georges Louis 1890-1917) o Correspondance inédite (2006).

George Barbier nació en Nantes, Francia en 1882 y falleció en Paris en 1932.

Tiziano, pinturas

Flora (h 1515, 79 x 63 cm)

Amor sacro y amor profano (h. 1515-1516, 118 × 279 cm)

Venus Anadiómena (h. 1520, 73,6 × 58,4 cm)

Magdalena penitente (h. 1531-1533, 85 × 68 cm)

Venus de Urbino (1538, 119 × 165 cm)

Dánae (1546, 120 × 172 cm)

Venus recreándose en la música (1548, 148 × 217 cm)

Venus con organista, amorcillo y perrito (h. 1550, 115 × 280 cm)

Venus y Adonis (1553-1554, 186 × 207 cm)

Dánae recibiendo la lluvia de oro (1554, 128 × 178 cm)

Venus del espejo (h. 1555, 124,5 × 105,5 cm)

Diana y Acteón (1559, 190,3 × 207 cm)

Diana y Calixto (1559, 187 × 205 cm)

Tiziano nació alrededor de 1477 en Pieve di Cadore, Belluno y falleció en Venecia el 27 de agosto de 1576.

Max Gómez Canle, pinturas

Amante, 2006 (Óleo sobre tela, 35 x 27 cm)

Antiveduta, 2007 (Óleo y bronce sobre madera, 10 x 10 cm)

Coloso, 2004 (Óleo sobre tela, 30 x 40 cm)

Interior, 2004 (Óleo sobre tela, 90 x 60 cm)

Invasión, 2007 (Óleo sobre tela, 40 x 40 cm)

Monstre perdu, 2004 (Óleo sobre tela, 22 x 25 cm)

Reflected monster, 2004 (Óleo sobre tela, 20 x 25 cm)

Montaña y cuadro asimétrico, 2005 (Óleo sobre tela y cemento, 80 x 70 x 55 cm)

Pintura con marco interior, 2007 (Óleo sobre cobre y madera laqueada, 20 x 30 cm)

Túnel, 2007 (Óleo sobre tela, 50 x 60 cm)

Max Gómez Canle nació en 1972 en Buenos Aires.

Su sitio web es maxgomezcanle.com

Laura Isola / Arte mexicano precolombino, en Proa. El poderío prehispánico

(Publicado en Perfil, 23.10.2011)

Hasta el 8 de enero de 2012 la Fundación Proa presenta “Dioses, ritos y oficios del México prehispánico”, una exhibición que reúne por primera vez en la Argentina más de 150 piezas arqueológicas de las diferentes culturas que habitaron el Golfo de México. Los dioses, sus diversas figuras y representaciones, los múltiples rituales desarrollados en nombre de ellos y los oficios ejercidos por los habitantes de la zona antes de la conquista española.

Personajes. Del centro de Veracruz. Todas ellas están datadas entre los años 600 y 900 d.C.

México es grande y poderoso. No sólo en su período virreinal o su primera revolución del siglo XX o en la actualidad, a pesar de sus ramalazos de violencia, es la inmensidad de su pasado prehispánico la que resulta arrolladora. En Buenos Aires, sobre todo, impresiona aún más. Desde estos arrabales con misiones urgentes como el freno al contrabando de los tiempos coloniales hasta la escasez de vestigios de los pueblos originarios, el país del norte es gigante y causa placer (y un poco de envidia) ver una de sus muestras del patrimonio arqueológico. Dioses, ritos y oficios de México prehispánico, que se exhibe en Proa, es una demostración de ese poderío, en todo sentido. Por un lado, estamos frente a un corpus en el sentido más académico del término. Es una selección de 150 piezas que se concentra en la zona de Veracruz y está conformada sobre el acervo de trece museos, dos casas de cultura, una zona arqueológica y un instituto de antropología. Y la cantidad no es lo único impresionante.
Por el otro, además, estamos frente al despliegue estatal de las impecables instituciones que significa semejante empresa. A su vez, David Morales, su curador, pensó tres ejes que están en el título, a la buena manera de las hipótesis claras: dioses, ritos y oficios. En el centro de ella están los artesanos y lapidarios, trabajadores de la piedra, que son el punto de unión de tres quehaceres, a primera vista un poco disímiles. Por sus manos pasan los dioses. Ellos los tallan, piedra con piedra, sin uso de otras herramientas,  para la cerebración de los ritos. Pero también otro grupo produce los objetos domésticos, las cerámicas, los elementos para los juegos y las pinturas murales.

El panteísmo de los pueblos prehispánicos es bastante conocido y está representado por distintas deidades, según las zonas. En el caso del área cultural mesoamericana, especialmente la veracruzana, hay dos, al menos, que tienen cierta originalidad: Xipetotec, el dios de la fertilidad, y Mictlantecutli, el señor de la muerte. Junto a Tláloc, deidad del agua y muy reconocido por sus orejas y colmillos, y Tlazolteotl, dios narigudo, forman el núcleo duro de las representaciones de las creencias. La bienvenida a la muestra la da Xipetotec con su traje de piel humana, que alude a los desollamientos que se practicaban en el culto a la fertilidad. Una vez que se le quitaba el corazón con una pericia sorprendente al sacrificado, le desprendían la piel y se la ofrendaban a “Nuestro Señor el desollado”. La imagen es notable con su traje de apariencia escamada, ya que es la grasa del cuerpo que queda del lado de afuera.  El sitio más grande al culto de la muerte está en Veracruz y se llama El Zapotal. Allí, la imagen del dios descarnado y reconocible por su cráneo y las diosas que lo acompañan es de tal fragilidad que no ha sido trasladada. Naturalmente no es la única escultura, y como en el Templo Mayor de Ciudad de México o en el British Museum, hay una en esta muestra. Como un muerto vivo, ya que figura ese paso entre un estado a otro, exhibe su tocado y deja ver algunas articulaciones como reflejo de ese tránsito.

Desde una perspectiva actual e irónica, “el que gana, pierde” puede ser el lema sobre el juego de pelota que practicaban los totonacas, según se cree responsables de los vestigios encontrados. Es que el ganador era el sacrificado, ya que era el hombre elegido para ser entregado a los dioses. En El Tajín, uno de los sitios más hermosos de la zona, se encuentra el gran friso que relata la escena del juego y del sacrificio posterior. En la exhibición se puede notar que la versión del juego es la que se hacía con una especie de raqueta y no la que golpeaban con las caderas. Lo que pasa es que es un rito que se extendió durante tres mil años y fue variando en sus reglas e implementos hasta que durante la dominación española fue prohibido por Torquemada.

Cuenta David Morales Gómez, curador de la muestra, que en su recorrida por los distintos museos de los pueblos para seleccionar las piezas, en uno muy pequeño lo recibieron la banda del pueblo, los alumnos de la escuela y un cartel que saludaba al Xipetotec que se iba a Buenos Aires. Así como el desollado, muchos de los objetos de esta exhibición es la primera vez que salen de gira. Algunos de ellos ni siquiera han sido mostrados en sus respectivos lugares. En ese sentido, la muestra no sólo establece un vínculo evidente con la arqueología y la descripción de las funciones de las piezas. Hay una valoración estética de los hallazgos arqueológicos que también es mexicana: la de Rufino Tamayo. Esa que consideró que la belleza de las obras precolombinas tenía un valor semejante al del uso. En su caso y para su propia estética. A veces, hasta mayor.

Dioses, ritos y oficios del México prehispánico

Hasta el 8 de enero de 2012

De martes a domingo de 11 a 19.

Fundación Proa (Av. Pedro de Mendoza 1929)