Max Ernst, pinturas

Design in Nature. 1947. Oil on canvas.

Europe after the Rain II. Oil on canvas

Feast of the God. 1948. Oil on canvas

Le Limaçon de chambre. 1920. Tempera, goache, ink, pencil, collage on paper

Of This Men Shall Know Nothing. Oil on canvas.

Sign for a School of Monsters. 1968. Oil on canvas.

The Equivocal Woman (también conocida como The Teetering Woman). 1923. Oil on canvas.

The Robing of the Bride. Oil on canvas

Woman, Old Man and Flower-Femme, viellard et fleur. 1923-24. Oil on canvas

A Night of Love – Une nuit d’amour. 1927. Oil on canvas.

Approacing Puberty or The Pleiads-La Puberté proche… ou Les Pléiades. 1921

Birds- also-Birds, Fish-Snake and Scarecrow. c. 1921. Oil on canvas

La paliza de la Virgen al niño Jesús ante tres testigos; André Breton, Paul Eluard y el pintor. – 1926

El ángel del hogar

Max Ernst nació en Brühl, Alemania, el 2 de abril de 1891 y falleció en París, Francia, el 1 de abril de 1976.

Francesco Hayez, pinturas

Accusa segreta

María Magdalena

Susanna bañándose (1850)

Odalisca (1867)

Venus jugando con dos palomas

Meditación sobre la historia de Italia (1850)

Ninfas bañándose (1831)

Rinaldo y Armida

El beso (1859)

La destrucción del templo de Jerusalén

Francesco Hayez nació en Venecia, Italia el 10 de febrero de 1791 y murió en Milán el 21 de diciembre de 1882.

Daniel Molina / Uniones antinaturales (León Ferrari en el Malba) Hasta el 2 de julio

(Publicado en Perfil, 29.4.2012)

La exposición “Brailles y relecturas de la Biblia” presenta una selección de setenta obras. La curadora, Florencia Battiti, reunió en esta muestra dos series que Ferrari realizó a lo largo de tres décadas. Para el artista, “la Biblia es una antología de crueldades”, y varias de sus imágenes remiten a la profunda diferencia que existe entre la concepción cristiana del pecado y la cosmovisión oriental del erotismo.

León Ferrari (Buenos Aires, 1920) no sólo es el artista contemporáneo más importante de la Argentina, sino que es uno de los más grandes que dio América Latina en el último siglo. Desde hace casi setenta años viene desarrollando una obra que, además de pródiga, parece ramificarse continuamente, como si su mente fuera una planta que ante cada límite se bifurca, y así hasta el infinito. Sus bellísimas esculturas de alambre son de comienzos de los sesenta. Casi al mismo tiempo comenzó a realizar sus cuadros y dibujos escritos, que lo convirtieron en uno de los pioneros del arte conceptual. En 1965 realizó su obra insignia, aquella que permite reunir la diseminación alucinógena de su extensa producción: La civilización occidental y cristiana, en la que se conjugan la reproducción de un bombardero norteamericano con un Cristo de santería. En su exilio en San Pablo, en los setenta, realiza videotextos (Art pelo telefone) y heliografías que semejan los planos de las distopías que narraron Kafka, Orwell y Huxley. Su retrospectiva de 2004 constaba de 400 obras que mostraron la multiplicidad de sus intervenciones. De esa extensa producción, los collages de las series Brailles y relecturas de la Biblia habían sido exhibidos muy parcialmente. Ahora Malba los presenta, in extenso, en una muestra curada por Florencia Battiti junto con un catálogo que cuenta con un importante texto de Daniel Link.

De lo que habla la obra de Ferrari es, en primer lugar, el arte. Es decir, de la posibilidad de crear, pensar y producir un universo diferente, una vida alternativa. De darle al mundo un sentido nuevo. En esa vida alternativa se trata de hablar otro lenguaje. Una lengua que no se somete a los imperativos del sentido común, de la tradición o de la autoridad. Por eso, uno de los ejes que sostienen la aventura estética de Ferrari es la discusión sobre el uso coercitivo, ideológico y político de las imágenes. El artista no cree en la inocencia cuando se trata de la producción de aquéllas. De allí su intervención constante en la discusión sobre la historia del arte, vista también –pero no únicamente– como una historia de la propaganda política y religiosa.

Cuando  Ferrari pone en relación una imagen proveniente de la tradición católica con otra imagen proveniente de una tradición cultural diferente (una estampa japonesa, por ejemplo) está desarmando el dispositivo ideológico que usa las imágenes para adoctrinar, para sostener un sentido incuestionable. Más que iconoclasta, Ferrari –un enamorado de las imágenes– es un poeta: alguien capaz de volver a darles a las figuras manipuladas por el poder un nuevo poder: el de desasirse de la manipulación que sufrieron. Poner en relación imágenes de culturas diferentes no es un gesto ingenuo, sino una posición profundamente crítica respecto de las certezas que se sustentan en la tradición y en la autoridad (esas “certezas” que supuestamente no se pueden cambiar y que no se podría siquiera cuestionar). Lo que para algunos puede ser insultante –por ejemplo, la imagen de una pareja que mantiene relaciones sexuales–, para otros (un taoísta o un místico) puede ser la imagen misma de la iluminación.

Estos collages ponen en relación imágenes que aparecen usualmente separadas: lo sexual y lo espiritual, lo político y lo sacro, lo íntimo y lo público, lo angélico y el placer. Hay humor y amor en estos Brailles. Esa unión non sancta alcanza una dimensión épica en la obra Amate (de 1997), en la que Ferrari imprime un texto en braille (“Ama a tu prójimo como a ti mismo”) sobre  la estampa Juego de manos, de Kitagawa Utamaro, que muestra la técnica de masturbación mokodaijuji, que consiste en pellizcar el clítoris con los dedos índice y mayor.

Ferrari, como poeta de las imágenes, descontextualiza las imágenes sometidas al discurso del poder. Es arte político, pero no por sus contenidos sino por su proyecto: liberar a las imágenes del encadenamiento al que fueron sometidas. Liberarlas: permitirnos verlas en un nuevo contexto.

Brailles y relecturas de la Biblia

Hasta el 2 de julio.
De jueves a lunes, de 12 a 20. Miércoles hasta las 21. Martes cerrado.
Malba. Av. Figueroa Alcorta 3415.
Entrada: $ 25 (docentes y jubilados: $ 11; estudiantes: $ 12).

Paul Delvaux, pintor

Paul Delvaux nació en Bruselas, Bélgica el 23 de septiembre de 1897 y falleció el 20 de julio de 1994 en Veurne, Bélgica.

Ryohei Hase, pinturas

Blood, 2008

Bound, 2003

Drown in the empty dried-up room, 2008

Empty hole inside of me, 2003

His only wish was to touch, 2010

Sin título, 2011

Not knowing why can't see and can't breathe, 2007

Pain, 2011

Sin título, 2008

Sin título, 2011

Tayutau, 2011

The last thing we do, 2009

Their feelings 02, 2006

Ryohei Hase reside en Tokio, Japón.

Imágenes tomadas de su sitio web ryoheihase.com

Maciej Hoffman, pinturas

Act, c-print

Adolescence, 2010, oil on canvas.170 x 210 cm

Anatomy - Head, C-print, 2008

Bad Thoughts. 2009. oil on canvas. 100 x 100 cm

Blow. 2011. oil on canvas.116 x 106 cm

Bóg wybacza. My Nigdy. 2008. olej na płótnie. 200 x 340 cm

Burning Heads. 2010. oil on canvas.170 x 250 cm

Different Glance. 2010. oil on canvas. 148 x 105 cm

Fear. 2010. oil on canvas. 210 x 210 cm

Fly. 2010. oil on canvas. 195 x 210 cm

Gravitation. 2009. oil on canvas. 210 x 185 cm

Lustro. 2008. olej na płótnie. 120 x 100

Mascot. 2010. oil on canvas. 40 x 60 cm

Mass. 2011. oil on canvas.105 x 90 cm

Memory. 2012. oil on canvas.170 x 210 cm

Mezalians. 2008. olej na płótnie. 120 x 150 cm

Monologue. 2009. oil on canvas.80 x 100 cm

Observer. 2008. oil on canvas. 210 x 280 cm

Painting

Reverse Perspective, instalation-oil on canvas+wire, 200 x 340 x 400 cm

Ritual. 2010. oil on canvas.160 x 100 cm

Self service. 2008. olej na płótnie 150 x 200 cm

Skull. 2011. oil on canvas. 99 x 74 cm

Statistic Death. 2008. oil on canvas. 210 x 210 cm

Still Marching. 2011. oil on canvas. 165 x 210 cm

Touch. 2011. oil on canvas. 170 x 210 cm

Trade 5. 2008. olej na płótnie.140 x 160 cm

Venus Natura. 2006. olej na płótnie. 100 x 120 cm

 Maciej Hoffman nació en Wroclaw, Polonia en 1964.

Imágenes tomadas de su sitio web www.maciej-hoffman.com

Colección de arte Amalia Lacroze de Fortabat

La Colección

La colección se inició por iniciativa de la Sra. Amalia Lacroze de Fortabat, quien en su interés por el arte y la cultura, logró reunir a lo largo de los años una importante cantidad de obras de artistas nacionales e internacionales de distintas épocas.
La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat abre sus puertas al público en general a partir del mes de octubre con el objetivo de compartir con la comunidad una selección de más de doscientas obras y objetos de arte de singular relevancia.
Las mismas se presentan, de acuerdo a su procedencia, en dos ejes; el primero propone un recorrido por el arte argentino y el segundo presenta grandes maestros del arte internacional.

El recorrido nacional sigue un guión temático-cronológico, a través del cual algunas de las problemáticas del arte argentino de los siglos XIX y XX articulan las distintas salas de exposición distribuidas en cuatro plantas del edificio.
Con obras de importantes artistas de nuestro medio se ofrece un panorama de este desarrollo marcado por la especial elección de la coleccionista.
Entre las pinturas del siglo XIX sobresalen Apartando en el corral y Los Capataces de Prilidiano Pueyrredón. Entre las del siglo XX La resistencia y El indeciso de Emilio Pettoruti, junto con El almuerzo de Antonio Berni entre otras.

La colección posee también un ámbito dedicado exclusivamente al arte internacional con obras de grandes maestros de diversas épocas, entre los que se destacan el flamenco Pieter Brueghel II con su obra El censo en Belén y el inglés, vinculado al romanticismo, Joseph Mallord William Turner con Juliet and her Nurse (Julieta y su aya).
Este sector ubicado en un espacio privilegiado del segundo subsuelo alberga las obras más valiosas de la colección, sin duda, uno de los puntos de mayor atracción de la visita.

Dirección: Olga Cossettini 141, Puerto Madero, (C1107CCC) Buenos Aires, Argentina
Informes: Tel: 54 (11) 4310-6600
Web site: www.coleccionfortabat.org.ar
E-mail: info@coleccionfortabat.org.ar
Horarios: Martes a domingos de 12 a 21. Lunes cerrado. Ingreso hasta una hora antes del cierre.
Valor de la entrada: Tarifa normal: $20. Tarifa reducida para menores de 12 años, jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: $10.
Visitas guiadas en español: Martes a domingos a las 15 y a las 17.
Visitas guiadas en grupo, en español y en inglés: Informes y reservas con anticipación:
54 (11) 4310-6600 visitas@coleccionfortabat.org.ar

James Guppy, pinturas

Esta selección sigue un orden cronológico.

Nightbloom 1991 acrylic on linen 95 x 126.5 cm

Love In Kuwait 1993 acrylic on linen panels 120 x 120 cm

Evening Baptism 1993 acrylic on canvas 60 x 60 cm

The Wound 1995 acrylic on canvas 60.5 x 60.5 cm

Gyneaceum VI 1994 acrylic on canvas 60.6 x 60.5 cm

Lana With Joy 1996 acrylic/linen/gold plated sleepers 44 x 44 cm

The Meal 2000 acrylic on canvas 30 x 45 cm

Woman and Man Drinking 2004 acrylic on linen 55.5 x 111 cm

Man and Woman Copulating 2004 acrylic on linen 55.5 x 111 cm

Approaching Orchids 2005 acrylic on linen 91 x 91 cm

Cloudfront 2006 acrylic on linen 180 x 180 cm

Fireballs 2006 acrylic on linen 180 x 180 cm

Study #9 2007 acrylic on canvas 25 x 25 cm

The Fairy of Sharp Edges 2007 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Fairy of One Hundred Strokes 2008 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Fairy of Small Doubts and Concerns 2008 acrylic on linen 45 x 30 cm

Jay as Mab 2008 acrylic on linen 40 x 40 cm

Judith Reminiscing 2008 acrylic on linen 106.5 x 71 cm

Separation 2008 acrylic on linen 71 x 106.5 cm

The Familiar 2008 acrylic on linen 150 x 61 cm

Renoir's Doughnut 2009 acrylic on linen 61 x 56 cm

Leading the Governess 2009 acrylic on linen 25 x 25 cm

Meta Luna 2009 acrylic on linen 25 x 25 cm

The Offering 2010 acrylic on linen 137 x 92 cm

The Dakini's Daughter 2011 acrylic on linen 120 x 60 cm

The Skink 2011 acrylic on linen 30 x 61 cm

The Nautilus 2011 acrylic on linen 30 x 61 cm

James Guppy nació en Londres, Inglaterra, en 1954.

Las reproducciones de sus obras fueron obtenidas de su sitio www.jamesguppy.com

Slawek Gruca, artes plásticas

Slawek Gruca nació en Lubliniec, Polonia en 1971.

Su página web es www.slawekgruca.com

Pierre Louÿs / Les Chansons de Bilitis (Las canciones de Bilitis) / Georges Barbier, ilustraciones

(Traducción propia del epígrafe del video en inglés.)

En 1922, George Barbier, talló sobre madera cuarenta y dos ilustraciones que fueron publicadas por Pierre Corrand en una edición limitada de 133 copias. Los dibujos fueron coloreados por Schmied y firmados por Barbier cuya brillante carrera como ilustrador comenzó en 1911. Este libro está considerado como su mejor obra de sus comienzos que se sitúa como uno de los trabajos más exquisitos del Art Deco.

“Las canciones de Bilitis” es una colección de poesía erótica de Pierre Louÿs y se publicó en Paris en 1894.

Los sensuales poemas del libro son al estilo de Safo; la introducción expresa que fueron encontrados sobre las paredes de una tumba en Chipre, escritos por una mujer de la antigua Grecia llamada Bilitis, una cortesana y contemporánea de Safo, a cuya “vida” Louÿs dedicó una pequeña sección de su libro. Sobre la publicación, el volumen engañó incluso a los estudiosos más expertos. Aunque los poemas en realidad eran fabulaciones inteligentes, creadas por el mismo Louÿs, son considerados literatura importante.

Louÿs expresó que los 143 poemas en prosa, excluyendo 3 epitafios, eran completamente la obra de esta antigua poetisa—un lugar donde ella depositaba sus más íntimos pensamientos y sus acciones más públicas, desde la inocencia de la infancia en Pamphylia hasta la soledad y mortificación de sus últimos años. Si bien la mayor parte de Las canciones de Bilitis es un trabajo original, muchos de los poemas en la colección fueron epigramas rehechos de la Antología Palatina, y Louÿs inclusive tomó prestados algunos versos de la misma Safo. Los propios poemas son una mezcla de suave sensualidad y estilo pulido a la manera de la escuela parnasiana, pero por debajo corren unos matices sutiles galos de los que Louÿs nunca podría escapar. Para dar autenticidad a la falsificación, Louÿs enumeró algunos poemas somo “no traducidos” en el índice; incluso construyó una sección completa de su libro titulada “La vida de Bilitis”, citando a un cierto arqueólogo inventado Herr G. Heim (“Sr. S. Ecreto”) como el descubridor de la tumba de Bilitis. Y si bien Louÿs demostró un gran conocimiento de la cultura griega antigua, que van desde los juegos de niños en “Tortie Tortue” a la aplicación de olores en “Perfumes”, los poemas eventualmente fueron expuestos como un fraude literario. Esto poco hizo para corromper su valor literario a los ojos de los lectores, sin embargo, y la abierta y simpática celebración de Louÿs de la sensualidad lésbica le otorgó sensación y significación histórica.

* * *

Algunas de Las Canciones de Bilitis:

EL ÁRBOL

Me he desvestido para subir a un árbol. Mis piernas desnudas abrazan la corteza lisa y húmeda. Mis sandalias caminan sobre las ramas.

En lo alto, pero todavía bajo las hojas y a la sombra del calor, me he sentado a caballo sobre una rama apartada, balanceando mis pies en el vacío.

Había llovido. Gotas de agua caían y corrían por mi piel. Mis manos estaban manchadas de musgo y los dedos de mis pies estaban rojos a causa de las flores aplastadas.

Sentía al hermoso árbol vivir cuando el viento pasaba a través de él; entonces apretaba más las piernas y aplicaba mis labios abiertos sobre la parte musgosa de una rama.

EL ANTRO DE LAS NINFAS

Tus pies son más delicados que los de la argentina Thetis. Entre tus brazos cruzados reúnes tus senos o los acunas blandamente como dos bellos cuerpos de palomas.

Bajo tus cabellos disimulas tus ojos húmedos, tu boca temblorosa y las flores rojas de tus orejas; pero nada detendrá mi mirada ni el cálido hálito del beso.

Porque en el secreto de tu cuerpo estás tú, Mnasidika amada, que recelas del antro de aquellas ninfas de que habla Homero, el lugar donde las náyades tejen paños de púrpura.

El lugar de donde fluyen, gota a gota, unas fuentes inagotables y donde la puerta del Norte deja descender a los hombres, y donde la puerta del Sur deja entrar a los Inmortales.

BILITIS

Una mujer se envuelve en lana blanca. Otra se viste de seda y de oro. Otra se cubre de flores, de hojas verdes de uvas.

Yo sólo sabría vivir desnuda. Amante mío, tómame como soy sin ropas, ni joyas ni sandalias, he aquí Bilitis tal como es.

Mis cabellos son negros de su negrura y mis labios rojos de su rojo. Mis bucles flotan a mi alrededor libres como plumas.

Tómame tal como mi madre me hizo una noche de amor lejana y, si te gusto así, no olvides decírmelo.

(De Las Canciones de Bilitis, de Pierre Louÿs, Ediciones 29, Barcelona, España.)

Pierre Louÿs nació en Gand, Bélgica el 10 de diciembre de 1870 y falleció en Paris el 6 de junio de 1925.

Obras: Astarté (1891), Chrysis ou la cérémonie matinale (1893), Lêda ou la louange des bienheureuses ténèbres (1894), Ariane ou le chemin de la paix éternelle (1894), La Maison sur le Nil ou Les apparences de la vertu (1894), Les Chansons de Bilitis (1894), Danaë ou le malheur (1895), Aphrodite (1896), La Femme et le Pantin (1898), Byblis ou l’enchantement des larmes (1898), Les Aventures du Roi Pausole (1901), Sanguines (1903), Archipel (1906), La Femme et le Pantin, pièce en 4 actes de Pierre Louys et Pierre Frondaie (Paris, Théâtre Antoine, 8 décembre 1910), Pervigilium Mortis (no publicado, 1917), Isthi (1917), Poëtique (1917), Manuel de civilité pour les petites filles à l’usage des maisons d’éducation (1926), Trois filles de leur mère (1926), Pybrac (1927), Douze douzains de dialogues ou Petites scènes amoureuses (1927), Psyché (1927), Au Temps des Juges (1933), L’Île aux dames, ébauche pour un roman érotique, Manuel de Gomorrhe (1991). Su diario fue publicado después de su muerte y completado en 2003 (Mon Journal (20 mai 1888-14 mars 1890). Pierre Louÿs asimismo es autor de una correspondencia excepcional la que ha sido publicada en parte, con Claude Debussy, Paul Valéry y André Gide, con su hijo Georges Louis: Mille Lettres inédites de Pierre Louÿs à Georges Louis 1890-1917) o Correspondance inédite (2006).

George Barbier nació en Nantes, Francia en 1882 y falleció en Paris en 1932.

Tiziano, pinturas

Flora (h 1515, 79 x 63 cm)

Amor sacro y amor profano (h. 1515-1516, 118 × 279 cm)

Venus Anadiómena (h. 1520, 73,6 × 58,4 cm)

Magdalena penitente (h. 1531-1533, 85 × 68 cm)

Venus de Urbino (1538, 119 × 165 cm)

Dánae (1546, 120 × 172 cm)

Venus recreándose en la música (1548, 148 × 217 cm)

Venus con organista, amorcillo y perrito (h. 1550, 115 × 280 cm)

Venus y Adonis (1553-1554, 186 × 207 cm)

Dánae recibiendo la lluvia de oro (1554, 128 × 178 cm)

Venus del espejo (h. 1555, 124,5 × 105,5 cm)

Diana y Acteón (1559, 190,3 × 207 cm)

Diana y Calixto (1559, 187 × 205 cm)

Tiziano nació alrededor de 1477 en Pieve di Cadore, Belluno y falleció en Venecia el 27 de agosto de 1576.

Max Gómez Canle, pinturas

Amante, 2006 (Óleo sobre tela, 35 x 27 cm)

Antiveduta, 2007 (Óleo y bronce sobre madera, 10 x 10 cm)

Coloso, 2004 (Óleo sobre tela, 30 x 40 cm)

Interior, 2004 (Óleo sobre tela, 90 x 60 cm)

Invasión, 2007 (Óleo sobre tela, 40 x 40 cm)

Monstre perdu, 2004 (Óleo sobre tela, 22 x 25 cm)

Reflected monster, 2004 (Óleo sobre tela, 20 x 25 cm)

Montaña y cuadro asimétrico, 2005 (Óleo sobre tela y cemento, 80 x 70 x 55 cm)

Pintura con marco interior, 2007 (Óleo sobre cobre y madera laqueada, 20 x 30 cm)

Túnel, 2007 (Óleo sobre tela, 50 x 60 cm)

Max Gómez Canle nació en 1972 en Buenos Aires.

Su sitio web es maxgomezcanle.com

William Bouguereau, pinturas

William-Adolphe Bouguereau nació el 30 de noviembre de 1825 en La Rochelle, Francia y falleció el 19 de agosto de 1905 en la misma ciudad.

Monica Cook, pinturas, animaciones

Monica Cook nació en 1974 en Dalton, Georgia, EEUU. Realiza fotografías, pinturas y animaciones.

Su página web es monicacookart.com

Olivier de Sagazan, artista

Olivier de Sagazan nació en 1959 en Brazzaville, Congo. Es escultor, pintor y realiza performances.

nefdesfous.free.fr

Marianna Gartner, pinturas

Marianna Gartner nació en 1963 en Winnipeg, Canadá.

Alfred Kubin, pinturas

Alfred Leopold Isidor Kubin nació el 10 de abril de 1877 en Litoměřice, Bohemia, Imperio Austro Húngaro y falleció el 20 de agosto de 1959 en Zwickledt, Austria. Fue pintor, ilustrador y escritor.

Ariel Mlynarzewicz, pinturas

Hay una realidad que es mi familia, pero también es mi tema. Es una reflexión pictórica que, a esta altura, es abstracta. Parece un trabalenguas, pero no podría pintar otra cosa que no fuera lo que tengo cerca, mi entorno, aunque ya, por estar ahí en la tela, pasa a ser otra cosa.

En mi caso, me interesan más Rembrandt, Poussin, Leonardo que las últimas bienales. La posmodernidad puso de relieve todo nuestro complejo de inferioridad: más preocupados por parecer modernos, por estar a tono con las tendencias. Eso es muy nocivo para otro tipo de búsquedas artísticas.

Mi relación con Carlos Alonso es muy intensa y me reconozco su discípulo. Lo bueno es que él opina lo mismo.

Porque no es tener una buena idea y nada más. El arte no evoluciona e ideas hubo siempre, lo que cambia son las percepciones.

Fui afiliado al PC y me echaron. Pero la militancia va por otro lado: no pinto cartoneros. Estoy de su lado, estoy con ellos pero no los pinto porque me parece una forma de usarlos. También asumo que no soy ni un cartonero, ni un excluido y no quiero pasar por lo que no soy.

Siempre trabajé con los pequeños intersticios de lo cotidiano.

Pintar es tratar de describir las cosas que suceden y que dejamos pasar de largo, intentar descifrar lo que ocurre.

El conocimiento más difícil es el interno. Es el viaje más complicado y al que hay que dedicarle más tiempo.

(Textos extraídos de no-hay-papel.blogspot.com)

Ariel Mlynarzewicz nació en Buenos Aires en 1964. Nueve de sus obras ilustran el libro La Historia, de Martín Caparrós, publicado en 1999.

Montt, humor

Alberto Montt nació en Chile y estudió Diseño Gráfico y Artes Plásticas en Ecuador. Tras graduarse cofundó una compañía de diseño y se inició en la ilustración, ganando el Tercer Premio en el Primer Concurso Nacional de Ilustración Infantil en este país. Continuó trabajando en ilustración infantil y en revistas como Gestión, Diners Club y en el suplemento “La pandilla” del diario El Comercio de Quito. Regresó a Chile para dedicarse por completo a la ilustración y actualmente trabaja como colaborador en El Mercurio y en las revistas Qué Pasa, Capital y Blank. También ha ilustrado libros infantiles para varias editoriales. Publicó Para ver y no creer, título realizado con Claudia Vega, quien es Comunicadora Social y se dedica a la redacción creativa.

Su página es dosisdiarias.com

Tamara de Lempicka, pinturas

Tamara de Lempicka (Maria Górska) nació el 16 de mayo de 1898 en Moscú, en el Imperio Ruso y falleció en Cuernavaca, México el 18 de marzo de 1980.

Autorretrato

Adán y Eva

Mujer triste con una guitarra (1929)

 

Grupo de cuatro desnudos (1925)

Otto Dix, pinturas

Autorretrato como soldado (Selbstbildnis als Soldat, 1914)

El vendedor de fósforos (1921)

El salón I (1921)

Retrato del Dr. Heinrich Stadelmann (1922)

Retrato de la periodista Sylvia von Harden (1926)

Tropas de tormenta avanzando bajo un ataque de gas (Sturmtruppe geht unter Gas vor, 1924)

Calavera (Schädel, 1924)

Hombres muertos antes de la posición cerca de Tahure (Tote vor der Stellung bei Tahure) de La guerra (Der Krieg, 1924)

Wilhelm Heinrich Otto Dix nació el 2 de diciembre de 1891 en Untermhaus (Gera), Alemania y falleció el 25 de julio de 1969 en Singen, Alemania.

Vincent Van Gogh. Las cartas

Maravilloso sitio web que contiene la edición facsimilar de las 902 cartas escritas y dibujadas (hay bocetos de sus obras) por Vincent Van Gogh, así como las cartas que recibió.

La edición en papel es en seis volúmenes, con más de 2000 ilustraciones y en tres idiomas: holandés, francés e inglés, y es el resultado de quince años de trabajo del Museo Van Gogh de Amsterdam y el Instituto Huygens, de la Real Academia de Artes y Ciencias de Holanda.

La edición on line también es en tres idiomas.

Robert Mapplethorpe, fotografías

Robert Mapplethorpe nació el 4 de noviembre de 1946 en Floral Park, New York, EEUU y falleció el 9 de marzo de 1989 en Boston, Massachusetts, EEUU.

George Grosz, pinturas

Suicidio

Desempleado

Ausschweifung Berlin Night Club

The Lovesick Man (1916)

Painter Of The Hole

George Grosz nació en Berlín, Alemania el 26 de julio de 1893 y falleció el 6 de julio de 1959.

Caspar David Friedrich. Pinturas

El caminante sobre el mar de nubes (1818) 94.8 x 74.8 cm (Der Wanderer über dem Nebelmeer)

Rocas cretáceas en Rügen (1818) 90.5 x 71 cm (Kreidefelsen auf Rügen)

La abadía en el bosque de robles (1808-1810) 110.4 x 171 cm (Abtei im Eichwald)

El mar de hielo (1823-1824) 96.7 x 126.9 cm (Das Eismeer)

Dos hombres contemplando la luna (1830-1935) 34 x 44 cm (Mann und Frau in Betrachtung des Mondes)

Monje a la orilla del mar (1809) 115 x 110 cm (Der Mönch am Meer)

Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald, Pomerania sueca, sobre la costa báltica de Alemania y falleció el 7 de mayo de 1840.

Lucian Freud

"Girl With a White Dog" (1951–52)

“Benefits Supervisor Sleeping”, 1995

"Portrait of Frank Auerbach"

Autorretrato

Lucian Michael Freud
8 de diciembre de 1922, Berlin, Alemania
20 de julio de 2011, Londres, Inglaterra

Kukula. Sugar and Blood (Azúcar y sangre)

Kukula (Nataly Abramovich) nació en un pueblo realtivamente aislado a una hora de Tel Aviv. Sus pocos vecinos eran mayormente retirados, muchos de ellos sobrevivientes del Holocausto. Como resultado su imaginación infantil fue alimentada por partes iguales de fantasías de princesa e historias de horror de la Segunda Guerra Mundial. Así el intento de reconciliar los horrores de la vida real con la dulzura de la vida de fantasía surge como un tema casi constante en su obra.

Luego de recibir un título en ilustración de Vital-Shenkar en 2003, Kukula se mudó a la zona de la Bahía de San Francisco, EEUU, donde ella reside habitualmente. Trabajó con galerías tales como CoproNason, Corey Helford, Thinkspace, Shooting Gallery y Roq La Rue.

Las pinturas de Kukula están centradas en lo femenino, figuras como muñecas, a menudo rodeadas por objetos con un significado simbólico a veces claro, a veces oscuro. La obra registra la influencia tanto de formas del arte europeo clásico y la cultura pop contemporánea. En las poses de sus figuras Kukula recuerda los retratos clásicos, a pesar de todo el estilo es manifiestamente moderno e influenciado por el pop. Las composiciones de Kukula así revelan sus luchas personales como mediadas por una rica herencia multicultural.

La música es Without Trace, del fascinante grupo Miranda Sex Garden.

Bésame / Ven a mí lentamente / Ven sin cuidado / Sin rastro / Los amigos son / Demasiado como una familia / No puedo conocerte / Que estaría equivocado / Vos serás mi cautivo / Seré tu esclava / No trates de recordar / Todo lo que hemos perdido // Bésame / Bajo la fuente / Bajo la luz de la luna / Donde pertenecemos / Ámame / Sólo por este momento / Ámame totalmente / Eso es todo / Serás mi cautivo / Seré tu esclava / No trates de recordar / Todo lo que hemos perdido.

Kiss me / Come to me slowly / Come without warning / Without trace / Friends are / Too much like family / I cannot know you / That would be wrong / You will be my captive / I will be your slave / Try not to remember / All that we have lost // Kiss me / Under the fountain / Under the moonlight / Where we belong / Love me / Just for this moment / Love me completely / That is all / You will be my captive / I will be your slave / Try not to remember / All that we have lost

Hans Holbein. Bilder des Todes (Imágenes de la muerte)

Hans Holbein el Joven (der Jüngere) nació en Augsburgo alrededor de 1497 y murió en Londres en 1543.

Osvaldo Svanascini. Arte budista japonés: el Hôryü-ji

Shôtoku, ferviente budista, erige en el año 607 el templo Hôryü-ji en la aldea de Ikaruga (actualmente Ikaruga-Machi, Ikomagun, en la Prefectura de Nera), proponiendo con este acto de fe su anhelo de prosperidad nacional y el alivio de la enfermedad de la emperatriz. Durante un primer período, el templo fue el antiguo centro de la secta Sanron, fundada en el Japón en el año 625 por el bonzo coreano Ekwan, cuyos textos principales se debieron a Nagarjuna, filósofo indio. Más tarde el templo fue ocupado por los miembros de la secta Hosso, fundada en el Japón en el año 653 por el monje Dôshô, quien retornó de China, donde había recibido enseñanzas del célebre peregrino Hiuen-Tsang; muchos son los textos canónicos usados por esta secta, pero la recopilación más conocida lleva el título japonés de Jo-Yui-Shiki-Ron. La primera planteaba el principio nihilista de su filosofía proponiendo la no-existencia de las cosas: “todo es vacío”. El vacío –dice Nagarjuna- no es ni la realidad ni la no-existencia, ni la afirmación, ni la negación. Pero tal escuela, como las Kusha y Jô-Jitsu, profundizaban la negación india, eran tan nihilistas que su égida no llegó a prosperar dentro de la organización práctica y espiritual japonesa. La doctrina Hosso enseña que todo el universo, todo lo que percibimos por los sentidos y por el espíritu, es decir, por los tres mundos, el mundo del deseo (Yoru), el mundo de la forma (Shiki) y aquel que no tiene forma (Mu-Shiki), se hallan en el pensamiento y nacen de nuestro pensamiento: la vida no es sino un sueño. Sólo existe el pensamiento; éste crea el mundo y, como a su vez el mundo es una proyección del pensamiento, no es sino un sueño.

(De Conceptos sobre el arte de Oriente, capítulo IV)

Obras: Esquema del Arte de la India (1959), Breves Cuentos Fantásticos (1962), Curatella Manes (1963), Xul Solar (1963), Noemi Gerstein (1963), Conceptos sobre el arte de Oriente (1964), Sesshu y la pintura Zen (1965), Huir a solas (1984), La Sola Poesía, Breve historia del arte oriental (1988), Los informes menores (1988), Poemas disociados (1993), Lo Sagrado y lo Demoníaco en el Arte del Tibet (1996), Las cámaras del vacío (1997).

Arte argentino actual en la Colección de Malba. Obras 1989 -2010 (10 de junio al 29 de agosto)

En el marco de los festejos por los diez años de Malba, se presenta una selección de más de 100 obras de 60 artistas argentinos, producidas entre fines de los años 80 y la actualidad, que forman parte del patrimonio institucional de Malba. Se exhiben pinturas, dibujos, fotografías, objetos, instalaciones y videos, que dan cuenta de la variedad en la producción visual de las últimas décadas.

La exposición propone un recorrido por la escena artística de los últimos veinte años en la Argentina. Comienza con la generación de artistas del Rojas y del under de Buenos Aires de fines de los 80, como Liliana Maresca, Feliciano Centurión, Gumier Maier, Omar Schiliro, Marcelo Pombo, Sergio Avello y Alberto Goldenstein; continúa con las generaciones marcadas por los espacios de formación que abrieron el Taller de Barracas y la Beca Kuitca desde 1991 hasta hoy, con Daniel Ontiveros, Mónica Girón, Román Vitali, Marina de Caro, Nicola Costantino, Fernanda Laguna, Marcos López, Cristina Schiavi, Pablo Siquier y Magdalena Jitrik; hasta llegar a la escena más reciente con artistas como Daniel Joglar, Ignacio Iasparra, Guillermo Ueno, Manuel Esnoz, Tomás Espina, Catalina León, Miguel Mitlag, Flavia Da Rin, Diego Bianchi, Guillermo Faivovich, Leopoldo Estol y Matías Duville, entre muchos otros.

El objetivo de la exposición es mostrar un panorama completo del arte argentino actual a partir de las obras de la Colección de Malba, que fueron incorporadas al acervo a través del Programa de Adquisiciones y de las donaciones y comodatos confiados al museo, desde su fundación en septiembre de 2001. “Montar obras adquiridas, recibidas en donación y otras pedidas en comodato no es un simple acto de inventario sino un gesto de propiedad, es la manera de tomar posesión de las piezas y de los objetos artísticos para poder ofrecerle al público la mayor variedad posible de relatos sobre el arte latinoamericano de los últimos cien años”, explica Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba.

Junto con la exposición, Malba editó un catálogo bilingüe (español- inglés) de 148 páginas, que incluye los textos de Eduardo F. Costantini, presidente de Malba, y Marcelo Pacheco, curador en jefe, además de la reproducción color de las obras y las biografías de los artistas.